2023/03/26

「這是排灣嗎？」——布拉瑞揚舞團《我・我們》第一部曲

現代舞劇作《我・我們》第一部曲由黃金陣容打造，包含編舞家布拉瑞揚・帕格勒法、金曲級歌手Abao阿爆（阿仍仍）與視覺藝術家磊勒丹・巴瓦瓦隆，三人一同共創迷幻又具有原民精神的感官世界，將令人們重新瞭解排灣族的世界觀。

編舞家布拉瑞揚・帕格勒法（圖左）最新推出的《我・我們》第一部曲邀請視覺藝術家磊勒丹・巴瓦瓦隆（圖中）操刀視覺影像圖繪、金曲級歌手Abao阿爆（阿仍仍）（圖右）擔任音樂製作統籌。（攝影／林家賢）

每個族群文化都有其解釋這個世界的方式。例如排灣族會用器官去解釋一個人的從小到大：青年期致力成為「pulima」（手很巧的人），去探索與創造世界，壯年期以經驗累積「puqulu」（腦）中的智慧，年長者則是返璞歸真，一切從「puvarung」（心）出發。

編舞家布拉瑞揚・帕格勒法與他的同名舞團推出現代舞劇作《我・我們》第一部曲，這位享譽國際的舞者第一次正視自己血脈，回到排灣族解釋生命歷程的方式，第一部曲的概念環繞著「pulima」這個詞，表現出人在青年時期藉著身體實踐感知到生命的歷程。

布拉瑞揚說：「這次，我想邀請排灣年輕的手，替我們指認出從來沒有看過的新世界。」

《我・我們》第一部曲是布拉瑞揚第一次正視自己血脈，回到排灣族的生命歷程裡找尋創作的方式。（攝影／唐健哲；圖片／布拉瑞揚舞團提供）

從傳統出發卻以創新蔓延

布拉瑞揚表示，本次舞作從電子音樂出發，讓舞者產生與過往表演經驗不同的樣貌。特別是他希望觀眾看表演時能思考「這是『排灣』嗎？」

他認為這樣的疑問是好的，讓人得以重新認識排灣族，逃離刻板印象。「尋根」一直是布拉瑞揚想要觸碰卻又感到若即若離的主題，這也是他特別邀請阿爆與磊勒丹合作的原因，布拉瑞揚從這兩位創作者身上看見了自己過去未曾思考過的事物，與其受限於文化包袱，倒不如藉由彼此的創作與養分來看見更多可能。

《我・我們》第一部曲在3/24~26率先於臺中國家歌劇院進行首演（4/14~16舞作將在國家兩廳院演出），發佈記者會由臺中國家歌劇院藝術總監邱瑗（舞台右二）擔任主持與提問。（攝影／林家賢）

許多人一直在談傳統，但傳統也是來自過去的祖先所創造，身為創作者，何不在此刻用我們當下的眼睛跟體驗，感受並創造出我們對排灣最直觀的想像？

《我・我們》第一部曲之所以會邀請其他兩位藝術家合作，其一是布拉瑞揚尤其欣賞磊勒丹透過非語言的方式，呼應排灣族沒有文字的歷史，用藝術創作的形式留下文化中的語彙。布拉瑞揚表示，雖然在觀看磊勒丹的作品時，經常感受到不同畫風的總和，例如龐克元素等，但仔細一看，會發現有很多排灣族的東西在其中，讓身為舞者的自己感受到各種新的可能性，從而觸發嘗試新的肢體語言。

縱使長年受到西方教育，並算是磊勒丹的長輩，但布拉瑞揚非常敬佩這位年輕設計師對自己根源的熟悉程度，這種探索是他自己一直尋覓卻尚未做到的，「找到他，就好像挖到寶。」布拉瑞揚說。

布拉瑞揚從磊勒丹和阿爆身上看見自己過去一直缺少的創作方式，令他重新省思「根源」這件事。（攝影／林家賢）

其二，布拉瑞揚與阿爆其實是家族表兄妹，縱使年少時並無一起成長，但布拉瑞揚從這位表妹的音樂裡，感受到原住民音樂全新的歷程變化。由於阿爆從小受到西方流行音樂的薰陶，並自然地應用在族語歌裡，特別的是大家的核心語言是圍繞著排灣族語，因而與自己的成長背景產生共鳴。

雖然血脈是本次編舞與創作的起源，但實際製作時，大家的探討並不會一直圍繞著排灣族。相較於其他族群，排灣族的文化相對嚴謹且存在較多規範與階級制度，整體社會非常重視單一個體如何應用各自專長。這些傳統文化在現代舞的編舞邏輯裡，成為隱藏的密碼，在彩排過程時，舞者都分別提出自己的經驗與想像。

例如排灣族在家屋中常見的祖靈樹上方都有雕刻，都代表不同涵義與階級，有一位舞者就希望以此來呈現他的身體形狀，也有舞者想設定自己為一位獵人，提問在科技如此發達的今日，會不會百年後連進入自然環境中打獵都只剩下想像？即便如此，當你要處理你的獵物時，還是得靠自己的那雙手，因此舞者在詮釋時連刀如何依照內臟的位置處理肉都小心翼翼。

由磊勒丹創作的舞作主視覺帶來前所未有的迷幻感。（圖片／布拉瑞揚舞團提供）

視覺：空間與動感的體悟

作為主創三人中年紀最輕的一位，磊勒丹覺得，《我·我們》的創作核心在於：成為人的那一刻，以及成為人的覺悟是什麼？

他從布拉瑞揚的舞作與阿爆的音樂中看見這些思考，因此特別在視覺畫面上採用鮮豔的顏色，包含帶有科幻與迷幻感的線條，希望打破過去大眾對現代舞作的既定印象，形成看似「很不排灣，卻是排灣族人所創作」的作品。

圖像的使用也帶有不同的意象或隱喻，例如水滴，得以傳遞排灣族對於「介質」的觀點，若把自己想像為水滴，但水滴不一定是水，可能是淚水、汗水或鮮血，端看你用什麼樣的液體去製造漣漪，再透過此漣漪與他人的漣漪碰撞出不同的火花——這就是古老排灣族人的生命觀。

本次選用的色調有些是基於排灣傳統色調，但大部分會依照舞者在動態表演過程中較為適合呼應的顏色，像是在排灣族傳統中代表動物鮮血的紅色，也意旨生命與靈魂。

磊勒丹從布拉瑞揚的舞作與阿爆的音樂裡看見強大的生命力，並將這股意象使用在主視覺設計上。（攝影／林家賢）

除了每一個選擇背後的意象外，磊勒丹在創作遇到最大的挑戰，是來自從平面繪畫轉化到立體舞台的思維，他在一開始覺得很困難，後來理解到原來核心思考在於對空間的想像。因為舞者是透過動態來探索空間，而畫畫則是將空間濃縮在靜態那一刻，磊勒丹從而找出共通點，當畫作與舞者同時進入空間互動時，自然產生融合與潤滑的狀態。

磊勒丹希望在視覺上可以打破固定形體但又不至於太過散亂，他從排灣族圖騰著手，其中幾種常見的圖像如菱形紋、波浪紋、同心圓等，將這些圖案打散再重新組合起來，形成一種新潮的當代意象，成為一種具有時尚感的圖紋印花（例如布拉瑞揚所披掛的圍巾與阿爆的頭巾）。

布拉瑞揚展示這次主視覺圖紋絲巾，三人開始探討更多周邊商品的應用。（攝影／林家賢）

這也是三位創作者想發展的：身為當代的原住民，應該要有當代的概念產出，而非懷舊式的複製貼上。磊勒丹一直以來的創作過程會從抽象的大概念開始，慢慢聚焦進而發展出具象的圖案。本次視覺則是直接將初始概念發展為更抽象的事物，猶如在腦海中先出現不同的大色塊，像似水滴暈染般去渲染出不同的顏色。

磊勒丹說，如果是以前的自己，可能會在這些渲染的色塊上勾勒出精細的圖像，但他這次選擇停留在暈染完畢的色塊，讓舞者與音樂設計有更多的彈性，保有彼此創作與互動的可能，「我每次創作過程中都會有一套自身邏輯，為的是創造自己想像出的世界觀。」若以原住民或人類文明的發展狀態來比喻，中規中矩的線條可能是城市建築或規矩的文明，而有些狂野的線條，則可以想像是一群狂亂的民族，或是有著狂亂的心或狂亂的人。

至於《我·我們》的世界觀是什麼，磊勒丹認為每個人的解讀都不同，但他自己會覺得，那是對美好未來的想像。

雖然《我・我們》以排灣文化為發想，但三位創作者在討論製程裡並未總是圍繞著排灣族的二三事，而是用彼此當下的創作與過去的作品來對話。（攝影／林家賢）

音樂：夢境與速度的聚合

音樂統籌阿爆則將她擅長的電子音樂風格投入在這次舞團製作，在過程中，他進行很多不同階段與段落的嘗試，有時是沉浸式的、具有空間感的氛圍聲響，有些則是重低音的強烈節奏，呈現方式完全是藉由排練時舞者當下的感受來做調整，一切都是非常隨性的，可以想像是進入party或夢境，慢慢從潛意識進入到劇烈與緩慢前進的過程。

在創作上，阿爆以採集舞者當下的聲音為主，也會依照舞者日常參與活動時的聲音參考，例如學習鼻笛的過程，聯想到可能會有敲竹聲，或是剛開始試吹與校正的時刻，那些學習與採集的過程是本次音樂想嘗試的內容，透過不那麼制式的手段去保有意外性，這都是為了因應布拉瑞揚舞團招牌的即興演出風格。

《我・我們》第一部曲的排練過程，阿爆亦在現場採集了許多音樂創作的元素與靈感。（攝影／高信宗；圖片／布拉瑞揚舞團提供）

當然，隨性必須建立在某種規範下，阿爆讓每一段音樂都獨立的單曲形式呈現，使表演時可以隨機選取每一首歌，但是就整個舞台劇的完整度而言，曲目之間必須有些連貫性與邏輯性。為了平衡音樂的使用方法，縱使本次創作以可自由抽換的單曲為主，但阿爆最核心的考量是來自聽覺上的黏著感，猶如在夢境中維持著音樂的BPM（速度），使得整體聽覺上不至於顯得散落。

這幾年，阿爆做了很多跨界的創作，她堅信音樂本身就是一個具有包容性的語言，談及此次在《我·我們》的經驗，她認為，過去她以人聲為主，本次則以舞蹈動作為主，因此會特別設想讓舞者們想要跳舞、促使其肢體動作發展的氛圍。一開始，阿爆針對「群舞」與「獨舞」設計出不同音樂，在跳舞的過程中，每個舞者會針對不同的音樂即時做出反應與調整，若以劇情來理解，音樂依舊具有起承轉合的效果，只是服務的對象變成舞者與舞蹈本身。

阿爆的音樂為整齣舞作的後續延伸立下基石與定錨。（攝影／林家賢）