2021/11/12

Tawian NOW ✕ 李明維、林明弘

台日「關係美學」：林明弘、李明維在Taiwan NOW的文化交會

Taiwan NOW台日計劃透過藝術的魔力締結人與人之間的緣分，邀請兩位台灣藝術家林明弘、李明維把作品帶到東京的核心地帶。

李明維《如實曲徑》（攝影 / Mori，舞者 / Aya SONE）

1998年，法國藝評家尼可拉．布里歐（Nicolas Bourriaud）出版論述《關係美學》（Esthétique relationnelle），認為藝術的價值從此不再只著重於作者的主觀理念，或是觀者詮釋，而是有更多關乎人與人之間的互動和連結，和社會情境的模擬與重塑。邂逅他人似乎超越了賞析作品，營造出美術館最動人的風景和最難忘的體驗。

Taiwan NOW台日計劃透過藝術的魔力締結人與人之間的緣分，邀請兩位台灣重要藝術家把作品帶到東京的核心地帶。林明弘的裝置《聚（東京2020）》和李明維的展演《如實曲徑》將川流不息的民眾匯集一起，使陌生的彼此相遇、對望，在熙來攘往的KITTE大樓構成一場遊走於日常與儀式之間的因緣際會。

從傳統圖樣尋找認同

林明弘擅用花布營造不同的空間裝置，以花朵圖案使觀者沉浸在色彩繽紛的視覺意象，喚醒懷舊鄉愁，使觀者想起阿嬤的床褥、結婚的嫁妝、童年那條無法鬆手的被單⋯⋯。這些圖案一幅幅都勾勒出台灣1960至70年代集體回憶的輪廓。對林明弘而言，這種鮮明的圖案是一種地方文化的產物，就像方言（dialect）或本地語（vernacular）。

鮮豔的印花圖騰具有濃郁的台灣色彩，但是林明弘並不將它視為單純的文化象徵，反而是一種追尋自我認同、建立對話的媒介。當他回到台灣投入藝術工作，這座島嶼的政治、經濟與文化正面臨史無前例的進展。整個台灣的藝文環境開始蓬勃發展，也興起了一股本土懷舊風潮。

在時代氛圍影響之下，林明弘開始思考什麼是台灣文化？該如何處理傳統與當代的連結？他強調：「我的作品其實都是歷史脈絡的累積，它是一種集體的凝聚，並非我個人首創。」

對林明弘來說，花布作為素材是為了建立當代藝術與東方傳統的對話。當受邀至國外參展，他因應不同策展主題使用花布，透過自身文化探索，突顯出全球化與地方性的關係：「當代藝術是一種文化對話，它並不代表一種文化。我的藝術工作在台灣開始成熟，多年來，我的作品始終反映出對文化身分以及傳統的思索。當我把花布帶出國，我好奇它會開啟什麼對話。」

透過體驗突顯個人與文化連結

李明維不用「符號」建立對話，反而在不期而遇中用巧妙手法化解人與人之間的隔閡，營造彼此互動的機會。許多創作靈感都出自個人生命經驗，無論是追憶外祖母的《魚雁計畫》、轉換911恐攻經驗的《補裳計畫》，或源自與母親相處時光的《聲之綻》。他將故鄉情懷、個人對生命的體悟轉化為藝術創作。

對他而言，無論是親情或友情，將這些私人體驗轉化為超越文化框架的互動展演，不僅是創作者的直覺反射，也是回歸人性本質。李明維試圖透過人際之間純粹且細膩的情感交流，喚醒觀者過往的歷史與故事，進而觸動他內心深處的漣漪，他強調：「只要每個人願意往自己生命裡面去看，我們會發現自己的內在都非常豐富，就像一齣美不勝收的歌劇。」

林明弘攝於台北工作室。

談到「關係美學」，林明弘與李明維有不同的見解，林明弘不認為自己的作品與他的美學論述有直接的關聯。空間裝置作品反映出的是他對1990年代藝術形式的探索，尤其是針對極限主義到裝置藝術的演變。對他來說，極限主義強調語言、文法、排列、重複與空間；裝置藝術則超越了物件，建構出一種環境或空間。

林明弘匯集兩種藝術形式的特點，並試圖拉近作品與觀者之間的距離。「我追求的是使作品直接接觸觀眾，甚至可以讓他站或坐在上面，完全沒有距離，而是一種體感的沉浸（physical immersion）。」

1996年的作品《室內》林明弘將家中的地毯、抱枕、CD移置藝廊，請觀者脫鞋走入這種居家的空間，挑選音樂。他除了勾勒出公／私領域的曖昧，也突顯日常動作如何體現文化特質。觀者在作品上的坐臥姿態反映出自身文化的獨特性，也成為裝置空間中令人驚喜的風景。

林明弘透過圖案和陳設打造出一個看與被看的空間，模糊觀者與表演的身分。在他的場面調度下，觀者在裝置之中隨機變化身體姿態，呈現一幅幅日常生活的搬演。「我的作品建構了一種開放的環境，大家都可以來演，這種舞台又像是一種遊樂場，但其中並沒有清楚的遊戲規則。」

透過饋贈營造社會關係

不約而同，林明弘與李明維的作品都具有一種劇場感。前者視裝置空間為舞台，後者則將作品譬喻為歌劇：「我覺得互動式的展演創作，藝術家的工作有點像是歌劇導演。我提出想法，但需要很多不同組合的人、事、物一起幫我完成，我需要這些歌者、舞者去呈現作品的風貌。」

考量到觀眾的參與和共創，李明維認為自己的創作可被歸類在「關係美學」的廣泛範疇，但它更偏向一種「社會性的概念主義」（social conceptualism）：「我的作品包含許多社會性元素，但它又有一種比較大的概念框架。《紐約時報》藝評人Holland Cotter曾寫道：『李明維究竟是社會性的概念主義者，還是概念性的社會主義者？』，我覺得前者比較貼切。」

李明維透過有形或無形的贈禮，讓情感與溫度從展演空間傳播到現實社會。就像《移動的花園》，觀者可自由選擇將展場陳列的花朵送給美術館之外的陌生民眾。

對李明維而言，這種偶然性不僅是給觀者的挑戰，也是作品本身蘊含的張力：「未知與偶然是我藝術創作的重要元素，它們讓我的作品變得更加活潑和多元化。若只有我去設想作品的可能，那它就會變得比較單調、缺乏顏色。無論是偶然、因緣、或是命運，這些都是我作品中最大的張力。若沒有這些元素，作品可能也只是個美美的裝置。」

饋贈的行為偶爾會被當下婉拒，有時反而製造出意外驚喜。李明維認為，這種互動演出突顯每個人表達自我的方式，意料之外的突發狀況也為作品添增更豐富的色彩。

他表示「人與人觸碰到彼此內心深處的那一剎那，是非常強烈的。慢慢地，這個作品就會在觀眾心裡面住下來，漸漸發酵。我只是給觀眾一個禮物，這個禮物跟觀眾是否產生一些心靈上的互動，那是觀者的決定。如果他選擇不做，也會營造出另一種關係。」

Taiwan NOW 東京會場KITTE展出林明弘與犬吠工作室合作作品《聚（東京2020）》。（圖片／財團法人文化臺灣基金會提供、攝影／Mori）

林明弘與犬吠工作室合作作品《聚（東京2020）》- United Gathering。（圖片／財團法人文化臺灣基金會提供、攝影／Mori）

台日藝術家的通力合作

《聚（東京2020）》是林明弘與犬吠工作室（Atelier Bow-Wow）的合作，源於2005年發表的《Untitled Gathering》。這系列作品源自台灣鄉間的「蚊子電影院」。他回憶道，小時候當廟會播電影酬神，坊間攜老扶幼帶著板凳齊聚，就像一種非正式的聚會。他想，若是把這些凳子拼湊起來、變成一幅完整圖畫，是否也意味不同個體的聚集可以構成一種集體回憶？

《聚（東京2020）》運用印花圖案的桌子、椅子、凳子構成一個四散又集中的輻輳之地；當它們散落各處就像是零星的聚會場所，當它們拼湊在一起又成為同一花色的巨型舞台。對林明弘而言，《聚（東京2020）》是藝術家、策展人、建築師一步步打造出來的共同作品。

「在東京場勘時，發現從KITTE大樓中庭宛如一座被觀看的舞台，其中只有少數幾張供人休息的桌椅。於是我便在作品中融入台灣從前民間聚會的觀察。而日本建築師塚本由晴提出製作長凳的概念，讓二至三個人共享座位，象徵一種共同體。國家文化藝術基金會董事長、Taiwan NOW總策畫林曼麗則想在裝置上安排演出。這樣的合作就其實就是Taiwan NOW精神。」

趁著這次Taiwan NOW活動，李明維在日本首次呈現《如實曲徑》。這部曾巡演至中國、法國、德國作品宛如一場平流緩進的儀式，讓身處快速變遷環境之中的觀眾找到呼吸的窗口，靜下心來回到當下。舞者用掃帚撥動著稻穀，不斷地創造與破壞穀粒成堆的型態，構成行雲流水的畫面變換，勾勒充滿禪意或帶有侘寂【註1】色彩的氛圍。

對李明維來說，這種徐緩的流動邀請觀者沉浸在長時間的凝視之中，體驗如花一般含苞待放的張力。

因疫情緣故，李明維無法親自前往東京布展，但他特地邀請曾在慕尼黑合作過的日本舞者Aya Sone代替他指導舞者與進行排練。對他而言，由曾經參與展演的表演者指導並參與演出，不僅將作品精神傳承下去，也是台日藝術家之間真誠的交流與合作。

或許，關係美學的核心價值就在於此，藝術家與觀眾彼此赤誠相待，一起跨越語言、文化、背景的藩籬，共同感受萍水相逢之中稍縱即逝的吉光片羽。

【註1】侘寂（wabi-sabi）是一種日式美學流派，讓人接受短暫無常、有缺憾的簡樸之美。