開箱／基隆美術館「第25小時」首檔國際大展：法國龐畢度中心特別共製作品、委託新作一次看

基隆美術館作為一座由傳統文化中心轉化而成的港口美術館。在基隆得天獨厚的地理環境與歷史發展之下，以「藝術委託行」為核心概念，結合美術館空間規劃與展覽內容，邀請藝術家和觀眾對話，參與彼此旅程，賦予基隆和藝術新色彩。讓美術館成為基隆地方人文景觀的指標性建築，逐步成為國際級場館。

透過藝術 感知你我的生命經驗

展覽主題「第25小時」源自策展人林裕軒和黃郁捷與幾位藝術家之間的談話，藝術家們不約而同都談起經歷過一段特殊的生命經驗後，彷彿在日復一日之外，延伸出另外一個時空，能夠裝載那些伴隨改變而來，滿盈、尚未歸類，且無法言喻的情感和行為。

林裕軒表示：「年初在日本 Tokyo Arts and Space 進行駐村計畫時，我進行了關於災難的研究，從兩國間面對自然災難的應變方法，再到對於人造災難（勞動與政治）的解讀，成了我在思考展覽『第25小時』的雛形。在日本與藝術家下道基行碰面的時刻，我們分享了面對災難與政治上的詮釋，他提到：『在地震發生的時刻』，作為以攝影為媒材的藝術家，他是否應該拍攝災難的影像？』最終他以另種方式創作了『Bridge』這件作品，而這樣的思考途徑，也讓我反覆思考台灣作為一個『災難』頻繁的地方，能否以策展這種方式來想像我們的時空？」

黃郁捷表示：「經歷一場疫情後，確實有種時空被扭曲的錯覺。但除了談『事件』本身，我們還能怎樣理解這種生活被迫重新調整的經驗，該如何從中細緻地提取和描繪個人感受，以小見大地去回應這種具大規模關聯性的轉變，是我一直希望可以在這檔展覽中呈現的。非常感謝幾位參展藝術家不吝與我們分享他們的生命經驗，給予我們策劃這展覽的靈感。」

亞魯 《新千禧年運動》＿提供_基隆美術館

曾家偉《瀑布》_提供_基隆美術館

兩位策展人認為，藝術家們從個人產生異於原本時空尺度的感性面出發，無論是經歷過疫症、災害，或是新身份帶來的感情羈絆、遷旅的途徑中，身心的重新調整等。「這些經驗或是事件，足以改變習慣，給予熟悉事物全然不同的意義，而展場就是將各種時空抽象變化具體的場所，讓觀眾可以隨著作品的節奏，思索都市空間的結構分界、身體勞動的記憶，以及現代社會之下，那些藏於表象後的另一種真實。」陳為榛《家飾》_提供_基隆美術館鄭栖英 《2013，四點鐘》_提供_基隆美術館丘智偉《橋樑之下》_提供_基隆美術館

法國龐畢度中心特別共製
法國雙人組Clédat & Petitpierre 《蔓舞奇境》 

17 組藝術家中，有超過一半的藝術家來自於台灣以外，其中備受注目，同時也是整個展覽量體最大的作品，來自法國雙人組的 Clédat & Petitpierre 的《蔓舞奇境》。這件作品曾在法國龐畢度當代藝術中心、上海西岸龐畢度中心、澳門等地展出，這次的展出為此作品台灣的首度展示。

Clédat & Petitpierre 多以合作的形式創作，擅於空間和身體的探索，《蔓舞奇境》即是以一株奇異與巨型的藤蔓植物，蔓生在基隆美術館最為標誌性的結合古典宮燈的空間的一座巨型景觀，邀請觀眾用自己的方式互動，找尋自己的特殊經驗，打破實體空間的限制。伊凡・克萊達特＆可可・佩蒂皮耶 《蔓舞奇境》_攝影_基隆美術館

藝術家眼中的基隆
日本藝術家鈴木悠哉《內庭／外庭》

作品《內庭／外庭》為本次的委託作品，是日本藝術家鈴木悠哉的「路上觀察學式」的系列作品，並以基隆作為田野調查的基礎。

他以家戶前的小花園作為主要的觀察對象，這些暫時的花園對藝術家來說，既個人又公共，隨意放置的無用之物和自然元素，自成循環系統，他將這些物件以繪畫的方式抽象化，映照出「私人／公眾」之間的灰色地點，從個人的內心世界和記憶與外頭的物質和社會之間的連結，試圖呈現這個想像中的花園，人類如何與周遭環境連結和抵抗。
鈴木悠哉《內庭／外庭》_提供_基隆美術館

日本藝術家下道基行《橋》
藝術家工作坊「看不見的風景」

另外一位日本藝術家，同樣也是 2019 威尼斯雙年展日本館參展藝術家，下道基行同樣以田野調查為基礎，藉由照片、活動和採訪等手法，編輯埋沒在日常生活中即將忘卻的故事和事物，將其可視化。

此次的作品《橋》背景則是來自於 2011 年的 311 大地震，海嘯摧毀許多漁港，以及沿岸城市的生活，通往東京的交通被阻斷，藝術家的展覽亦同。身為以攝影為媒材的藝術家的他，也曾糾結是否要拍攝災難的影像。同年的 3月16日，他買了一輛小型摩托車，開始拍攝「類似橋」的景象，但其實只是放在路邊排水溝的板子，但這1200英里的拍攝旅程，不禁讓人思索這些連結道路和生活的「小橋」是工具還是結構？也許是一種獨特的景觀，連結自然與人類的生活。在展覽期間，他也將帶領工作坊，跟觀眾一同在基隆以「看不見的風景」跟個大家走入基隆街區，找尋那延伸自日常生活的感知不同時空。
下道基行《橋》提供_基隆美術館下道基行《看不見的風景》藝術家提供

走入藝術裝置 經驗改變時空
香港藝術家鄺鎮禧《紅氊》和《綠燈》

香港藝術家鄺鎮禧常以冷靜和犀利的觀察，提取日常對應事務結構的樣態，在這次《第25小時》的委託製作裡，他重組日常物件，改變其物質狀態與使用方式，來產生變化對應他對社會的觀察。《綠燈》以綠光水平珠至於 LED 燈版中，借用其顏色將光線過濾成綠色，雖然水平珠會隨著位置展生不同的校準結果，但個體間的誤差並不影響整體的「校正平衡」；《紅氊》則是擷取紅白相間的防滑磨砂帶中的紅色部分，篩選了防滑砂帶的警戒象徵，呈現如磚紅色的地毯。藝術家透過改變物件的使用邏輯轉譯空間的調性，引導觀眾產生異於平時的身體感，繼而思考人、物件、空間三者關係。
鄺鎮禧 _《紅氈》和《綠燈》_藝術家提供

德國藝術家 Olaf Nicolai《如何想像蠟燭熄滅後的光》

同樣這種異於日常體驗的關係，也展現在曾於台北當代藝術博覽會展出的德國藝術家 Olaf Nicolai 的作品《如何想像蠟燭熄滅後的光》。他擅長在空間裝置內，藉由變化媒材的特性，對日常瑣事和既定認知提出圍觀的論點，利用觀者的直覺為支點，放大和提醒特定的感知。在這件沉浸式的互動裝置裡，當觀眾步入暗間時，用光探索的痕跡將留在另一面由紫外線燈照射的牆裡，彷彿捕捉光和時間。
歐拉夫・尼可萊 《如何想像蠟燭熄滅後的光》_提供_藝術家、文心藝術與艾根畫廊_攝影_基隆美術館

日本藝術家毛利悠子《Piano Solo - Ohara》

代表今年威尼斯日本館的日本藝術家毛利悠子，則是擅長收集日常生活的各種零件，建造成自己自足的生態系統，看似不協調的機械裝置，其實是精心的安排，展出中的《Piano Solo - Ohara》，是她在疫情期間獨自住在琵琶湖山中小屋的創作，展場中麥克風收入預錄的自然聲響和現場環境音，透過自動演奏轉成即興鋼琴演奏曲，然而麥克風無法精準的截取，於是產生了失準和延遲，點出自然和人工之間的不協調，與窗戶外的基隆港景色，產生有趣的對比。
毛利悠子《Piano Solo－Ohara》_提供_桃園市立美術館_攝影_基隆美術館

馬來西亞藝術家楊健生《玻璃百葉窗002》

馬來西亞藝術家楊健生則是在來台駐村期間，發現所住的地方，前身為警察宿舍與兒時成長的「華人新村」建築外牆都使用雨淋板。無論在台灣或是馬來西亞，這項技術皆由殖民者引進。因此他將雨淋板以百葉窗的造型呈現，大面積覆蓋美術館入口處的落地窗。以馬達帶動的窗簾拉繩，因玻璃百葉窗傾斜角度的差異和馬達轉速的快慢，和百葉窗之間產生不同音高的聲響，此起彼落迴盪於展場。藝術家將木建築中帶有節奏感的視覺構造，轉化成聲音 ，同時藉由聲音來製造過去與現在交疊的記憶。
楊健生《玻璃百葉窗002》提供_基隆美術館

台灣藝術家黃博志《一週八天》

台灣藝術家黃博志的作品《一週八天》是藝術家在不同展覽因緣際會寫下的故事，他發現無論是自己的母親，或是深圳的吳姨、韓國小型成衣加工店舖的金太太、香港投身反迫遷運動的何先生等，這些跨域四個地域的時間和故事，相似又迥異，作品啟發自藝術家母親「我沒有空」的自嘲，似乎在超時工作的狀態下，唯有一週八天才真正擁有空閒和時間。黃博志《一週八天》_提供_基隆美術館

台灣藝術家高雅婷《以母之名》

同樣來自台灣的高雅婷，則是以自身成為母親的經驗化為創作的《以母之名》以編織的形式，將受孕的經驗與神話信仰、夢境的研究呈現，從過往作品中追尋「家的所在」到產子後「我的身體成為他人的家」，將全身血管圖，轉化成植物造型，構築出一個綿延的花園意象去回應成為母親的澎湃氣息。
高雅婷《以母之名》_提供_基隆美術館「第25小時」展覽期間除了有策展人專場導覽外，亦規劃多場專家導覽和活動，如專家導覽有法律白話文運動社群總監劉珞亦、劇場與影視工作者簡莉穎；日本藝術家下道基行也將親赴基隆舉辦「看不見的風景」工作坊，是此工作坊首度跨國舉辦，帶領大家走入基隆街區；驫舞劇場也將策劃 2 場分別為親子和樂齡〈自由步〉工作坊等，請上基隆美術館 Facebook 和 IG 查詢和報名。

基隆美術館-《第25小時》_提供_基隆美術館

VERSE VOL. 25 那些難忘的牛排時刻